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Pourquoi le pop art est-il toujours en vogue ?

Peu orthodoxe, le pop art est l'un des mouvements artistiques les plus populaires et ayant le plus d'impact sur le public. Découvrez dans cet article tout ce qu'il faut savoir sur le pop art et sa symbolique dans le domaine de la décoration d'intérieur.

Peu orthodoxe, le pop art est l'un des mouvements artistiques les plus populaires et ayant le plus d'impact sur le public. Découvrez dans cet article tout ce qu'il faut savoir sur le pop art et sa symbolique dans le domaine de la décoration d'intérieur.
Pourquoi le pop art est-il toujours en vogue ?

Pourquoi le pop art est-il toujours en vogue ?

Le pop art ou « art populaire » est une mise en images du consumérisme et de la culture populaire. Ce type d'art est apprécié dans de nombreux pays en raison de ses couleurs audacieuses, simples et dynamiques. Le pop art met en évidence l'influence que peuvent avoir la publicité, les bandes dessinées et autres images sur le consommateur.

Histoire du pop art

En 1952, un groupe d'artistes londoniens a commencé à se ressembler pour discuter de divers sujets artistiques. Ce groupe s'appelait L'Independent Group, et comptait parmi ses membres Richard Hamilton, Eduardo Paolozzi, Alison et Peter Smithson, Lawrence Alloway et Reyner Banham. Au cours de leurs réunions régulières, des sujets tels que la place de la culture de masse dans les beaux-arts, la science et la technologie ont été abordés. À cette époque, la Grande-Bretagne se remettait peu à peu de la Seconde Guerre mondiale et beaucoup étaient réticents à accepter la culture populaire des Américains. Les Britanniques étaient en revanche très enthousiastes sur l'avenir de la culture pop. La science fiction, les films, les bandes dessinées, le design automobile et le rock and roll sont des sujets sur lesquels les discussions se sont centrées.

L'expression « Pop Art » aurait été créée sous l'impulsion de plusieurs personnalités, à savoir Lawrence Alloway, Alison et Peter Smithson et Richard Hamilton. Le terme « Pop » a d'abord été utilisé par Eduardo Paolozzi dans son collage intitulé « I was a Rich Man's Plaything » en 1947. Une pin-up, le logo Coca Cola, une tarte aux cerises, un avion de la Seconde Guerre mondiale et un pistolet se retrouvent dans cette œuvre.

Au milieu des années 1950 aux États-Unis, la communauté artistique s'anime avec l'arrivée de divers artistes aux mouvements propres, tels que le Néo-Dada, le Funk art, le lettrisme, le Beat art et le multimatérialisme. La plupart d'entre eux intègrent déjà des articles provenant de la culture de masse dans leurs œuvres d'art. Ils souhaitent que leur art se concentre davantage sur les inclusions que sur la tradition. Ils ont ainsi utilisé ce qui peut être considéré comme des matériaux non artistiques mais facilement reconnaissables pour évoquer la culture populaire de l'époque. Des artistes tels que Robert Rauschenberg, Ray Johnson et Jasper Johns sont entrés dans l'Histoire de par leur influence sur la scène artistique new-yorkaise . L'émergence de mouvements antérieurs tels que Dada et le Surréalisme a également renforcé cette révolution artistique aux États-Unis. L'art s'est ensuite concentré sur la réalité de l'Amérique contemporaine.

C'est au début des années 1960 que certains artistes se font connaître par le biais d'expositions à New York et Los Angeles. Certains d'entre eux préfèrent la sérigraphie aux techniques de peinture traditionnelles. Le pop art s'est ainsi largement répandu aux États-Unis, accompagné d'une croissance économique, d'avancées scientifiques et technologiques majeures et du développement de l'industrie musicale.

Voici quelques exemples d'œuvres réputées et leur créateur :

1. I was a Rich Man's Plaything (1947) – Eduardo Luigi Paolozzi

2. Bed (1955) – Robert Rauschenberg

3. President Elect (1960) – James Rosenquist

4. Mr. Bellamy (1961) – Roy Lichtenstein

5. Large Trademark with Eight Spotlights (1961) – Ed Ruscha

6. Marilyn Monroe (1962) – Andy Warhol

7. Floor Cake (1962) – Claes Oldenburg

8. Field Painting (1963) – Jasper Johns

9. Love (1964) – Robert Indiana

10. The Diner (1964) – George Segal

L'amour inconditionnel pour les affiches pop art

La popularité des affiches pop art vient avant tout de la singularité de ces œuvres et de leurs sublimes couleurs. L'utilisation de couleurs vives et intenses accentue véritablement le côté dynamique de l'œuvre. Les artistes ont pris pour modèles des objets simples du quotidien pour les transformer en œuvres d'art. La créativité et les idées novatrices des artistes de ce mouvement émerveille même les non-spécialistes. Bien que ce type d'œuvres ne soit pas au goût de tous, le pop art a développé de nouvelles techniques et un nouveau moyen d'expression. De par l'utilisation d'objets simples du quotidien tels qu'une bouteille de soude ou une boîte de conserve, les artistes ont su transformer l'ordinaire en extraordinaire. Pourquoi ne pas agrémenter votre chambre d'une affiche mettant en scène Marilyn Monroe tenant une bouteille de soda ? Décorez également votre bibliothèque à l'aide d'une vieille affiche de Pepsi Cola. Pour beaucoup, ces images sont intemporelles et précieuses car elles représentent l'histoire, le développement du produit et l'influence des images sur le consommateur. Au XXIe siècle, les affiches pop art se retrouvent encore dans de nombreux foyers. L'amour pour le pop art est infini, surtout pour ceux qui en saisissent pleinement le concept.

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